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sábado, 9 de abril de 2016

Zhang Chang Ta o Chang Dai-chien


                             

Zhang Chang Ta o Chang Dai-chien ( chino : 張大千 ; mayo 10, 1899-abril 02, 1983 ) fue uno de los más conocidos y más prodigiosos artistas chinos del siglo XX. Originalmente conocido como guohua pintor (tradicionalista), por la década de 1960 también fue reconocido como un pintor impresionista y expresionista moderna. Además, se le considera como uno de los más dotados maestros forjadores del siglo XX.

                                       


Chang nació en 1899 en la provincia de Sichuan a una familia tiene problemas financieros, pero artística. Su primer encargo fue a los 12 años, cuando un adivino viajar solicitó que pintarla una nueva serie de tarjetas de adivinación. A los 17 años fue capturado por los bandidos mientras volvía a casa del internado en Chongqing. Cuando el jefe de los bandidos le ordenó escribir una carta a casa exigiendo un rescate, estaba tan impresionado por brushmanship del chico que hizo el chico de su secretario personal. Durante las más de tres meses que estaba cautivo, leyó libros de poesía que los bandidos habían saqueados en casas allanadas.

                                        

Como adulto joven Chang se trasladó a Kioto para aprender técnicas de teñido textil. Más tarde regresó a Shangai y estableció una carrera exitosa venta de sus pinturas.

El gobernador de Qinghai , Ma Bufang , envió a Chang Sku'bum a buscar ayudantes para el análisis y la copia de Dunhuang arte budista 's.

                                            

Debido al clima político de China en 1949 , abandonó el país y residía en Mendoza, Argentina , Sao Paulo y Mogi das Cruzes , Brasil , y luego aCarmel, California , antes de establecerse en Taipei , Taiwán en 1978. [3] [ 4]Durante sus años de vagabundeo que tenía varias esposas simultáneamente, a favor curry con personas influyentes, y mantuvo un gran séquito de familiares y seguidores. También mantuvo una mascotagibón . Que afectó a la larga túnica y barba larga de un erudito. [1]



                                             


Una reunión entre Chang y Picasso en Niza , Francia en 1956 fue visto como una cumbre entre los maestros preeminentes de arte oriental y occidental. Los dos hombres intercambiaron pinturas en esta reunión

Profesional de la pintura temprana de Zhang era principalmente en Shanghai . A finales de 1920 se trasladó a Pekín donde colaboró ​​con Pu Xinyu[5] En la década de 1930 trabajó fuera de un estudio sobre la base delMaestro de Jardín del Pescador en Suzhou . [6] En 1940 se dirigió a un grupo de artistas de la copia de las pinturas murales budistas en las Mogao y Yulin cuevas. A finales de 1950, el deterioro de su visión lo llevó a desarrollar su color de salpicado, o Pocai , estilo.


                                             


falsificaciones de Zhang son difíciles de detectar por muchas razones. En primer lugar, su capacidad para imitar los grandes maestros chinos:


Tan prodigioso era su virtuosismo en el medio de la tinta china y el color que parecía que podía pintar nada. Su producción se extendió por una amplia gama, desde arcaizante trabajos basados ​​en los principios de los maestros de la pintura china a las innovaciones de sus últimas obras que conectan con el lenguaje del arte abstracto occidental. 


                                     


En segundo lugar, se prestó atención escrupulosa a los materiales que ha utilizado. "Estudió papel, tinta, pinceles, pigmentos, sellos, pasta para juntas, y montajes de desplazamiento en detalle exigente. Cuando escribió una inscripción en una pintura, que a veces se incluye un epílogo que describe el tipo de papel, la edad y el origen de la tinta, o la procedencia de los pigmentos que había utilizado ".

En tercer lugar, a menudo se forjó pinturas basadas en descripciones en catálogos de pinturas perdidas; sus falsificaciones llegaron con procedencia ya hecho.

Falsificaciones de Zhang han sido adquiridos como pinturas originales de varios museos de arte más importantes en los Estados Unidos, incluyendo el Museo de Bellas Artes de Boston :





De particular interés es una falsificación principal adquirida por el Museo en 1957 como una obra auténtica del siglo X. La pintura, que fue supuestamente un paisaje por el período de cinco dinastías maestroGuan Tong , es uno de los más ambiciosos falsificaciones de Zhang y sirve para ilustrar tanto su habilidad y su audacia.

James Cahill , profesor emérito de arte chino en la Universidad de California, Berkeley , afirmó que la pintura La Ribera , una obra maestra de la espiga meridional dinastía, en poder del Museo Metropolitano de Nueva York del arte , era probable otra falsificación Zhang. [10]


                                     

Conservadores de museos Se advierte a examinar las pinturas chinas de dudosa procedencia, en especial los del pájaro y la flor género con la consulta, "¿Podría ser esto por Chang Dai-chien?" [9] Joseph Chang, curador de arte chino en el Museo Sackler , sugirieron que muchas colecciones notables de arte chino contenían falsificaciones realizadas por el maestro.

                    

                                            

Guilherme de Santa-Rita


                       


Guilherme Augusto da Costa Cau de Santa Rita y Guillermo de Santa-Rita , más tarde se llamó únicamente Santa-Rita Pintor ( Lisboa , 31 de Octubre, 1889 - Lisboa, 29 de Abril, 1918) fue un pintor portugués . [ 1 ]

                        


Figura mítica primera generación de pintores modernistas portugués [ 2 ] , su obra sigue siendo en gran medida un misterio. Nunca se exhibe en Portugal, pero fue varios años en París asegurando, con Amadeo de Souza Cardoso , el primer eslabón eficaz a las vanguardias históricas de principios del siglo XX; y fue el más activo de refuerzo breve movimiento futurista portugués. Murió prematuramente, antes de completar 29 años de edad, víctima de la tuberculosis pulmonar [ 3 ] , dejando orden expresa de que todas sus obras fueron quemadas; su obra de madurez sigue siendo una pintura única y un conjunto de reproducciones rudimentarios, blanco y negro, revistas Orpheu (1915) y Portugal futurista(1917).


                   


Un graduado de la Real Academia de Bellas Artes , que fue a París con una beca del Estado en abril de 1910. Monárquico convencido pierde la beca de dos años más tarde debido a un conflicto con el embajadorrepublicano John Chagas . En París priva con Sá-Carneiro Mario (que le inspire para un personaje de la confesión de Lucio , 1914); en contacto con los círculos artísticos de vanguardia, en particular con Marinetti , asistir a sus conferencias en la Galerie Berheim-Jeune. El impacto de Marinetti y su manifiesto futurista se refuerza en 1912 por la visita a la exposición de los pintores futuristas italianos en la misma galería, lo que lleva a que se uniera al movimiento [ 4 ] . Ese mismo año se han expuesto en Indépendents Salón de París, la imagen de ruido en el dormitorio, sin muebles , cuyo título por sí solo, " le dio al tema futurista de sus intereses "


Paradójicamente personalidad, Santa-Rita fue, de acuerdo a Sá-Carneiro, " un tipo fantástico ", " ultramonárquico ", "intolerable ", " insufriblemente vano " [ 6 ] . Volvió a Portugal en 1914, el año de la aparición de la Primera Guerra Mundial 1 . Sensible a la exaltación de la máquina de Marinetti, su disculpa en un arte completamente nuevo y diferente, en ruptura con el pasado retrógrada, su agresividad y el deseo de choque mentes conservadoras, Santa-Rita será, junto con Mário de Sá-Carneiro uno de los principales introductores de las ideas futuristas en Portugal, convirtiéndose en la fuerza motriz del movimiento futurista portuguesa embrionario.En 1916 sería afirmar: "futurista declaró en Portugal para uno, soy yo " 

               


Uno de sus objetivos era después de regresar a editar los manifiestos de Marinetti, quien se dice un mandato para ello (un deseo nunca se dio cuenta); pero deseaba por encima de todo a su trabajo e imponer socialmente. El 14 de junio, 1915 podrán participar en un evento que,Almada Negreiros , José Pacheko y Ruy Coelho fueron los promotores. En este "gran congreso de artistas y escritores" - que no hay noticias en la prensa y que no pueden haber ocurrido - la nueva generación criada en protesta "contra el sopor que el viejo de hacerlo." Ese mismo año participa en la segunda edición de la Revista Orpheu, donde jugaron cuatro su trabajo. Probar poco después de ser él mismo para llevar a los futuros números de la publicación, siendo capturado por Fernando Pessoa [ 8 ] y Mario de Sá-Carneiro. Usted comienza a preparar una revista alternativa que podría controlar; en 1917 logra ese objetivo con la publicación del primer y único número de Portugal futurista . Capturado por la policía a la tipografía de la puerta (debido a la supuesta obscenidad de algunos artículos), la revista fue el efecto retardado de la "tumultuosa presentación" del futurismo en abril de ese mismo año en el Teatro de la República , sesión puso en escena y que a su vez tenían la colaboración activa de Almada Negreiros, el gran protagonista del evento. Frente a una no muy numeroso público, compuesto por curiosos cafés "intelectuales" de la Baja y algunos estudiantes, Santa-Rita participar de un friso (cuadro casi al nivel de la audiencia), alentando y dirigiendo el espectáculo, donde se leyeron los textos Almada ( ultimátum a las generaciones futuristas portugueses del siglo XX ), de Valentine de Saint-Point y Marinetti 

                 

Oficialmente dirigida por Carlos Filipe Porfirio y que tiene como editor nominal S. Ferreira, Portugal futurista era en realidad el trabajo de Santa Rita; fue él quien orquestó el proceso entero detrás de las escenas. Una fotografía de gran formato abierto y la publicación de un texto Bettencourt Rebelo sagrava como " el artista que el genio de las veces produce " y el " gran iniciador del movimiento futurista portuguesa "; para ilustrar el texto, cuatro reproducciones de sus obras, incluyendo una obra mayor, Orfeo en los infiernos. " Sin embargo, los otros tres cuadros reproducidos avantajam a los dos expresionista obras [...] Amadeo ciertamente mal elegido a propósito para evitar la competencia ... "[

Como nunca había exhibido en Portugal, con una obra prácticamente desconocida para el público, de Santa-Rita muere la siguiente víctima de la tuberculosis año, dejando órdenes estrictas de la familia para que se destruyeron todas las obras de autor.Desaparecido Sá-Carneiro, que se suicidó en París en 1916, la muerte de Santa Rita dictará el final de ese " paréntesis histórico " que fue el futurismo portugués 

                  



Hay muy pocos trabajos que sobrevivieron a la orden de destrucción cumplido por la familia de Santa Rita después de su muerte. Algunos ejercicios académicos raros, interpretadas por algunos como un estudiante de Bellas Artes, y dos pinturas de mayor importancia y datación incierta: Orfeo en los infiernos , c. 1907 (?); Jefe , c. 1910.

Reimpreso en 1917 en la revista de Portugal Futurista, Orfeo en el Infierno es una obra de gran violencia expresiva y aunque José Augusto Francia (de) considerar como una " especie de" cánula "Escuela de Bellas Artes " [12 ] , la pintura ha características temáticas y formales inusuales que distinguen a las prácticas artísticas de sus bellas artes días de estudiante, dominadas por las convenciones del siglo XIX . Su fecha de ejecución es probablemente más tarde de lo indicado en Portugal futurista (de acuerdo a esta leyenda, el trabajo habría sido pintado cuando Santa-Rita fue de 14 años de edad); Joaquim Matos Chaves sugiere una fecha entre 1913 y 1915 [ 13 ] . " Fantástico trabajo y delirada en agitaciones cromática acres de dominio rojizo " les Santa-Rita evoca la figura de Veloso Salgado , su maestro, como un personaje del infierno 



                  

Cabeza , por su parte, ha sido ampliamente considerado como una obra central del modernismo en Portugal. De fecha en la parte posterior por una mano desconocida, el año de aplicación aún no está claro, pero debe estar situado entre 1910 y 1912, precediendo así las pinturas cubistas de Amadeo o cualquier otro autor portugués. Este trabajo aborda de máscaras africanas evocadas por Picasso en Las señoritas de Aviñón, y otras obras del mismo autor de fecha 1909 y 1910, pero su dinámica de composición, dominados por formas curvas y una fuerte sensación de movimiento, no será otros a las explotaciones de los futuristas (particularmenteUmberto Boccioni ) 



Las cuatro obras reproducidas en la revista Orpheu (destruido después de su muerte) también son deudores de Picasso, pero la siguiente etapa. Más de un enfoque formal para las soluciones de los futuristas, estas obras de Santa-Rita revela la asimilación temprana de los descubrimientos de Picasso y Braque en los collages realizados entre 1911 y 1913 y los que están en el origen del cubismo sintético. La relación con el futurismo es revelada por los títulos, sorprendentes, que pueden haber sido inspirados por el texto introductorio del catálogo 1912 exposición en la Galerie Berheim-Jeune, París, diseñado por los expositores (Boccioni, Carlo Carra ,Giacomo Balla , Gino Severini , Luigi Russolo ). Del mismo modo conotável con el cubista pero más cerca del futurismo del lenguaje dispositivos (en el título y en el dinamismo de la composición), se Perspectiva Dinámica de una sala de despertar , en 1912, jugó en 1917 en Portugal futurista





Ivan Nikolayevich Kramskoy

                    

Uno de los mejores pintores de retratos en Rusia, y uno de los principales contribuyentes a la pintura rusa en el día 19 del siglo , Ivan Nikolayevich Kramskoy (Kramskoi) pintó muchas de las celebridades más importantes de su generación. Muy prolífico, un dibujante y pintor experto, que se asocia con los movimientos realistas y humanista. Uno de los varios grandes artistas rusos de la época pre-revolucionaria, sus contemporáneos incluyeron Nikolai Gay (1831-1894), Vasily Petrov (1834-1882), Nikolai Yaroshenko (1846-1898), y Ilya Repin (1844-1930). Kramskoy era una figura prominente en una revuelta menor por parte de algunos de los estudiantes de arte con más talento de Rusia contra el conservadurismo de la Academia Imperial de las Artes en 1863, lo que condujo a la formación de la Sociedad de Exposiciones Itinerantes de arte, cuyos miembros (conocido como Peredvizhniki,itinerantes o vagabundos) viajaron alrededor de Rusia predicación de la reforma política y la celebración de exposiciones de arte de obras realizadas en el camino. Pinturas más famosas de Kramskoy incluyen Retrato de León Tolstoi (1873), Cristo en el desierto (1872) y Retrato de una mujer desconocida (1883), todos ellos en la Galería Tretyakov, Moscú .


                    



Pintura de iconos 

Nacido en Rusia en 1837, Kramskoy enseñó a dibujar como un niño pequeño.A la edad de 15 años se convirtió en un aprendiz de un pintor de iconos con los que adquirió los rudimentos de la pintura y la perspectiva. Pinturas icono ruso se encargaron principalmente por la Iglesia y fueron producidos con fines espirituales en lugar de arte por el arte. Pintura de iconos normalmente hace caso omiso de los principios de la perspectiva natural; En cambio, las cifras se presentan sujetos plano, con forma de almendra ojos, narices largas y delgadas y pequeñas bocas. Es tentador pensar que los pintores de iconos simplemente no sabían cómo pintar, pero en realidad se trataba de un estilo consciente. Siguiendo las tradiciones de arte bizantino , pintores de iconos utilizan los principios de la perspectiva invertida, donde los objetos del fondo aparecen a menudo más grandes que las de primer plano y pintados importantes figuras más grandes que figuras menores. Pintura de iconos alentó el uso de la simplicidad, la gracia, la simetría y colores simbólicos.


                 



San Petersburgo Academia Imperial de las Artes 

Fue sólo en 1857, a la edad de 20 Kramskoy que finalmente tuvo la oportunidad de obtener una educación artística formal, cuando fue aceptado en la Academia Imperial de las Artes, de San Petersburgo. La Academia tuvo fuertes valores tradicionales, y promovió los principios de la pintura neoclásica mediante el envío de los pintores rusos más prometedores a Italia y Francia para absorber los estilos del Renacimiento y el Barroco. También tenía una gran colección de obras maestras que fueron destinados para el estudio y la copia. Kramskoy, rápidamente insatisfechos con las restricciones a su desarrollo artístico, se convirtió en un líder popular entre la fraternidad de los estudiantes, y encabezó una rebelión contra el personal académico. La Academia fue dominada por las doctrinas del pintor neoclásico francés Ingres - denominado arte académico - mientras que los estudiantes exigieron libertad para explorar el realismo en su pintura. Dirigido por Kramskoy, 14 estudiantes públicamente rompió con la Academia y comenzaron su propio grupo, la celebración de exposiciones itinerantes. Muchos de sus contemporáneos, incluyendo el gran género histórico-pintor Ilya Repin y el simbolista y pintor impresionista Mikhail Vrubel (1856-1910), siendo considerado la formación de la Academia como indispensables, y se quedaron dentro de sus confines.

                   



    primeras pinturas 

    Primeras pinturas de Kramskoy desde la década de 1860 no son especialmente grandes, y son a menudo blanco y negro, un reflejo de la nueva arte de la fotografía que se estaba convirtiendo poco a poco popular.Los ejemplos de su arte del retrato de este período incluyen Sophia Kramskaya Lectura (1863, Galería Tretyakov, Moscú); Retrato de una mujer joven vestido de terciopelo Negro (1863, Museo de Arte, Kúibishev, Rusia);Retrato de E. Vasilchikova (1867, Perm galería de arte, Rusia); Retrato de V. Voyeykova (1867, Museo-Estado de Polenov, Rusia); Autorretrato (1867, Galería Tretyakov) y Retrato del agrónomo Vyunnikov (1868, Museo del Estado de Bielorrusia, Minsk). Entre 1863 y 1868 Kramskoy profesor de dibujo en la Sociedad para la promoción de artistas; sus alumnos incluidos Nikolai Yaroshenko e Ilya Repin.

                                 


    retratos 

    Desde aproximadamente 1869 Kramskoy recibió encargos regulares del mecenas ruso Pavel Tretyakov (que dio su nombre a la Galería Tretiakov y Tretyakov en Moscú Drive). Además de recoger de Kramskoy grandes pinturas del retrato , estudios, grabados y acuarelas, Tretyakov también recoge las obras de VG Petrov, Ilya Repin, Vasily Surikov, Isaac Levitan, Valentin Serov, y muchos otros. Tretyakov encargó retratos de Kramskoy de personalidades de la cultura y de la ciencia rusa, asegurando que su imagen sería capturado para siempre. He aquí una muy breve selección de los más célebres Ivan Kramskoy retratos del siglo 19 :


                         Retrato del artista Nikolai Dmitrievich Dmitriev-Orenburg, Ivan Kramskoy
    •                          Retrato del artista Nikolai Dmitrievich Dmitriev-Orenburg
    •                                                                 Ivan Kramskoy · 1866
    Se une Itinerantes (Peredvizhniki) 


    En 1869 Kramskoy hizo su primer viaje al extranjero, viajando a Europa y visitar las colecciones de obras de arte de los mejores museos de arte. A su regreso, organizó exposiciones itinerantes para la Sociedad de Exposiciones itinerantes (Peredvizhniki). El objetivo de la Sociedad es dar al público en general la oportunidad de ver algunas de las pinturas contemporáneas de Rusia; para desarrollar una pasión por el arte ruso en la sociedad y para facilitar la venta de esas obras de arte. Las exposiciones viajaron por toda Rusia, parando en pueblos y ciudades.



    Pinturas religiosas

    Kramskoy también pintó una serie de pinturas religiosas basadas en temas del nuevo testamento. En 1872 pintó a Cristo en el desierto (Galería Tretyakov, Moscú). Representa a Cristo sentado en un estado de profunda melancolía y la indecisión, con las manos debido a la tensión no la oración.León Tolstói describió como la mejor a Cristo que había visto nunca. Otra obra maestra se burla de Cristo: "Salve, Rey de los Judios" (1877-1882, Museo Ruso de San Petersburgo).




    Kramskoy también fue considerado un humanista, que se refleja en sus estudios de género y sensible retrato de campesinos de Rusia. Las obras de esta naturaleza incluyen:

    - Cabeza de un campesino de Ucrania Viejo (1871, Museo de Arte de Rusia, Kiev)
    - Apicultor (1872, Galería Tretiakov)
    - Anciano del pueblo (1873, Museo Ruso, San Petersburgo)
    - Insultada niño judío (1874, Museo Ruso, San Petersburgo)
    - Leñador (1874, Galería Tretiakov)
    - Cabeza de un viejo campesino (1874, Galería de Savitsky, Penza)
    - Chica con lino lavado en el yugo (1874, Galería Tretiakov)
    - Muchacha rusa en un mantón azul (1882, colección privada)
    - Llevar a cabo un campesino Brida (1883, Museo de Arte de Rusia, Kiev)

    Kramskoy murió en 1887, la brocha en la mano mientras trabajaba en el retrato del Doctor Rauchfus.

                                


                               


                           

    Andrew Newell Wyeth

                                  

    Andrew Newell Wyeth (12 de julio de 1917 – 16 de enero de 2009)1 fue un pintor realista y regionalista estadounidense. Es uno de los más conocidos del siglo XX, comúnmente se le llama el "Pintor del Pueblo" debido a su popularidad entre el público estadounidense. Fue hijo del ilustrador y artista N. C. Wyeth, hermano del inventor Nathaniel Wyeth y de la artista Henriette Wyeth, y padre del artista Jamie Wyeth y Nicholas Wyeth.


    El tema principal de sus obras es la tierra y habitantes de su ciudad natal Chadds Ford, en Pensilvania, y de su casa de verano en Cushing, Maine. Una de las imágenes más famosas del arte estadounidense del siglo XX es su obra Christina's Worlds, que actualmente se encuentra en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York.



                 

                

                          

              

                



                 


                           
                                                               Andrew Newell Wyeth 
                                                                         Web
                                                          http://andrewwyeth.com/


    David Leffel







              


              



             

             


            

            


           



    Nacido en Brooklyn en 1931, el distinguido pintor David A. Leffel pasó once años de su infancia luchando contra una enfermedad de los huesos en varios hospitales. Se utilizó este tiempo para perfeccionar sus habilidades de dibujo. Esta pasión le llevó a matricularse en la Escuela de Diseño Parsons, así como la Universidad de Fordham. En la Art Students League de Nueva York, que floreció bajo Frank Mason (ver página __ para más información sobre Mason) y, finalmente, enseñó allí por 25 años. En 1992 Leffel y su socio, el distinguido pintor Sherrie McGraw, se trasladó a Taos, donde sus estudios pasan por alto las montañas Sangre de Cristo.Bien conocido por los estudiantes de arte de todo el mundo a través de sus libros más vendidos y videos, Leffel lleva a cabo talleres en todo el país y recientemente lanzó su propio programa de premios anuales a la excelencia en la pintura.


    Leffel no está en una pérdida para las palabras cuando se trata de su filosofía de la pintura. Se trata de comprender el proceso de la pintura en la forma en que un físico teórico trata de comprender el universo. De hecho, él no pinta personas o fruta, pero los quarks y los electrones, ondas y partículas. Sus objetos sólo parecen ser sólidos cuando paso atrás para el que ya no puede ver el movimiento. Se llama a este proceso de la artista que busca comprender la naturaleza "inteligencia". Es un aspecto clave de la filosofía de Leffel.

    colectores de Leffel responden muy bien a las cualidades atemporales, humano en su trabajo. En conversación con un colector, Leffel vez mencionó que sus pinturas son acerca de la luz y la sombra. "Oh," dijo el colector ", pensé que estaban a punto tranquilo."

    Esta conexión entre el arte y la vida no se limita a las actitudes de los colectores: Es fundamental para la filosofía de Leffel. Él afirma: "Cuanto más se invierte en algo, más se recibe de ella. Eso es cierto en cualquier área de la vida. Ese tipo de actitud siempre está buscando una mejormedida ensayo solución: ¿Qué es más fuerte, lo que es más sencillo? Se requiere una visión de encontrar una hermosa unidad, consistente, estructural. Al igual que una buena composición musical, todo encaja, nada es ajeno;todo funciona para el bien del conjunto. Se necesita mucha energía y compromiso.



    "Cuando empecé a pintar sólo pensé que era algo que me gustaría hacer - y si pudiera hacer algo de dinero en ella, entonces yo no tenía que conseguir un trabajo! A medida que fui más en él, que necesitaba la confirmación de que las cosas que estaba descubriendo en la pintura eran ciertas. He descubierto que si bien era cierto en la pintura, también era cierto en la vida. La pintura es como un conjunto interrelacionado de las relaciones - color, bordes, valores, gruesos y delgados, etc. La vida es la misma. Todo está interrelacionado. Toda la vida es como una gran, relación de enclavamiento. Todo lo que haces tiene una consecuencia a todo lo demás ".

    Sus libros impresos son autorretratos: Un viaje de Visual Insight(Bright Light Publishing, 2008) ; un artista enseña: Reflexiones sobre el arte de la pintura (Bright Light Publishing, 2004) ; Secretos y pintura al óleo de un maestro (con Linda Cateura, 1984, reimpreso 1995) .

    (Extractos del artículo "A David Leffel: La elegancia de la Paradoja" por Rachel Wolf, bellas artes Conoisseur, octubre de 2011)



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