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miércoles, 17 de mayo de 2017

París, fin de siglo en el Museo Guggeheim Bilbao




París
fin de siglo
SIGNAC, REDON, TOULOUSE-LAUTREC 
Y SUS CONTEMPORÁNEOS
12 de Mayo - 17 de Septiembre, 2017


 París, fin de siglo en el Museo Guggeheim Bilbao
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sábado, 6 de mayo de 2017

UNA ESCULTURA HIPERREALISTA DEL CADÁVER DE PICASSO, SE EXPONE EN MÁLAGA




by Redaccion (Central)

Málaga ha incluido en la oferta cultural entorno a Pablo Piacasso, una escultura hiperrealista de su cadáver yacente que conforma una “capilla ardiente” para aquellos que quieran decir su último adiós al pintor malagueño aunque sea tantos años después de su muerte.

La obra, del madrileño Eugenio Merino, invita, según su autor a reflexionar sobre “la instrumentalización de la figura de Pablo Picasso con fines comerciales”.Merino ya tuvo conflictos legales, que le resultaron favorables, a consecuencia de otra de sus obras. En esa ocasión su obra representaba una escultura de Franco metido dentro de una nevera de Coca-Cola. Demandado por la Fundación Francisco Franco, los tribunales sentenciaron a favor del artista.

Su más reciente obra “Aquí murió Picasso” está expuesta en la sede de la Alianza Francesa de Málaga. El artista que defiende que su forma de hacer arte no supone una “falta de respetos” a los personajes que su figuras representan, plantear la muestra de Picasso como una atracción turística más con todos los elementos que los visitantes desean ver.

“Málaga ofrece un viaje biográfico por la vida de Picasso, y concluir con su muerte en el mismo centro de la ciudad, pero en un espacio francés, me parecía lo más chistoso”, ha apuntado Merino.

Para conseguir esta sensación de atracción turística ha echado mano de elementos como la reproducción mecánica del objeto exhibido o que esté rodeado de un cordón de seguridad “para controlar cómo se ve la pieza y cómo se tiene que comportar el público cuando está dentro”.



En su mensaje de la comercialización de la cultura, Merino plantea una “capilla ardiente” para concluir los tours turísticos la ciudad del pintor organiza en torno a su figura.

Eugenio Merino ha querido respetar escrupulosamente la estatura de 1,64 metros que tenía Picasso, modeló su cabeza con todas las fotos del artista de las que disponía y ha acompañado el cuerpo de una placa en mármol de Carrara con la inscripción “Aquí reposa Pablo Picasso”.

“Quería presentar la muerte en un estado no muy desagradable, como un ‘souvenir’, algo que ni emociona ni repele”, ha explicado Merino, que vistió al cadáver, acabado en silicona y con pelo natural, con la típica camiseta de rayas horizontales que también se vende en las tiendas de recuerdos para turistas.

Jacques Joseph Tissot


                                         
                                                                     Autorretrato en 1865

Jacques Joseph Tissot ( Francés: [Tiso] ; 15 octubre 1836 a 8 agosto 1902), castellanizada como James Tissot ( / t ɪ s oʊ / ), fue un pintor e ilustrador francés. Era un pintor de éxito de la sociedad de París antes de trasladarse a Londres en 1871. Se hizo famoso como pintor de género de las mujeres vestidas a la moda que se muestran en varias escenas de la vida cotidiana. También pintó escenas y personajes de la Biblia.
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Jacques Tissot nació en la ciudad portuaria de Nantes , Francia y pasó su infancia allí. Su padre, Marcel Théodore Tissot, fue un exitoso comerciante de cortinas. Su madre, Marie Durand, ayudó a su marido en el negocio familiar y sombreros diseñados. Un católico devoto, la madre de Tissot inculcó la devoción piadosa en el futuro artista desde una edad muy joven. La juventud de Tissot pasó en Nantes probablemente contribuyó a su frecuente representación de envío de buques y barcos en sus obras posteriores. La participación de sus padres en la industria de la moda se cree que ha sido una influencia en su estilo de pintura, ya que representa la ropa de la mujer en los detalles finos. Por el momento Tissot tenía 17 años, supo que quería dedicarse a la pintura como una carrera. Su padre se opuso a esto, prefiriendo a su hijo a seguir una profesión de negocios, pero el joven Tissot obtuvo el apoyo de su madre por su vocación elegida. Alrededor de este tiempo, se empezó a usar el nombre de pila de James. Antes de 1854 se le conoce comúnmente como James Tissot; que puede haber adoptado debido a su creciente interés en todo lo Inglés.




En 1856 o 1857, Tissot viajó a París para perseguir una educación en el arte. Durante su estancia con una amiga de su madre, pintor Elie Delaunay , Tissot se inscribió en la Escuela de Bellas Artes para estudiar en los estudios de Hippolyte Flandrin y Louis Lamothe . [2] Ambos eran exitosos pintores Lyonnaise que se trasladaron a París para estudiar con Jean-Auguste-Dominique Ingres . Lamothe proporcionó la mayor parte de la educación el estudio de Tissot, y el joven artista estudió por su cuenta copiando obras en el Louvre , al igual que la mayoría de los artistas de la época en sus primeros años. Alrededor de este tiempo, Tissot también conoció a la estadounidense James McNeill Whistler , y los pintores franceses Edgar Degas (que también había sido un estudiante de Lamothe y un amigo de Delaunay), y Édouard Manet . [1]



En 1859, Tissot exhibe en el Salón de París por primera vez. Mostró cinco pinturas de escenas de la Edad Media , muchas escenas que representan de Goethe Fausto . [3] Estas obras muestran la influencia en su obra del pintor belga Henri Leys ( Jan August Hendrik Leys ), a quien había conocido Tissot en Amberes a principios de ese mismo año. Otras influencias incluyen las obras de los pintores alemanes Peter von Cornelius y Moritz Retzsch . Después de Tissot había exhibido por primera vez en el Salón y antes de que él había sido galardonado con una medalla, el gobierno francés pagado 5.000 francos por su descripción de la reunión de Fausto y Margarita en 1860, con la pintura que se expuso en el Salón el año siguiente, junto con un retrato y otras pinturas. [1]

                                              

Émile Péreire suministra la pintura de Tissot paseo en la nieve para la exposición internacional de 1862 en Londres; Al año siguiente, tres pinturas de Tissot fueron exhibidos en la galería londinense de Ernest Gambart . [1] En alrededor de 1863, Tissot cambió de repente su enfoque desde el estilo medieval a la representación de la vida moderna a través de retratos. Durante este período, Tissot ganado gran reconocimiento de la crítica, y rápidamente se convirtió en un éxito como artista. Al igual que los contemporáneos tales como Alfred Stevens y Claude Monet , Tissot también exploró japonisme , incluyendo objetos japoneses y trajes en sus cuadros y expresando la influencia del estilo. Degas pintó un retrato de Tissot de estos años (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York), en la que está sentado debajo de un biombo japonés colgado en la pared.


Tissot desarrolló rápidamente su reputación como pintor de las mujeres elegantemente vestidas mostradas en escenas de la vida de moda. Antes de 1872, Tissot compró una casa en San Juan de madera , una zona de Londres muy popular entre los artistas de la época. De acuerdo con el Diccionario Oxford de Arte y Artistas "en 1874 Edmond de Goncourt escribió con sarcasmo que tenía 'un estudio con una sala de espera donde, en todo momento, se heló el champán a disposición de los visitantes". [9]Tissot luchó en la guerra franco-prusiana , como parte de la defensa improvisada de París, la unión de dos compañías de la Guardia Nacional y más tarde como parte de la Comuna de París . Ya sea por las asociaciones radicales políticas relacionadas con el anterior (que se cree que se han unido sobre todo para proteger sus pertenencias más que por ideología compartida), o debido a mejores oportunidades, dejó París para Londres en 1871. [5] Durante este período, Seymour Haden le ayudó a aprender técnicas de grabado. [6] Ya Después de haber trabajado como caricaturista para Thomas Gibson Bowles , el propietario de la revista Vanity Fair , así como expuesto en la Real Academia, Tissot llegó con conexiones sociales y artísticos establecidos en Londres. [7] [8]

Él fue aceptado como miembro de El Club de las Artes en 1873. [1]




Las pinturas de Tissot atrajeron grandemente a los industriales británicos ricos durante la segunda mitad del siglo 19. Durante 1872 se obtuvo 94,515 francos, un ingreso normalmente sólo disfrutado por aquellos en los echeleons de las clases altas.

En 1874, Degas le preguntó a unirse a ellos en la primera exposición organizada por los artistas que llegaron a ser conocidos como los impresionistas, pero se negó Tissot. Continuó estar cerca de estos artistas, sin embargo. Berthe Morisot lo visitó en Londres en 1874, y viajó a Venecia con Édouard Manet o menos al mismo tiempo. Vio regularidad Whistler, que influyó en escenas del río Thames de Tissot. 
                     


En 1875-6, Tissot se reunió Kathleen Newton , una divorciada que se convirtió en la compañera del pintor y modelo frecuente. Compuso un grabado de ella en 1876 titulado Retrato de la señora N. , más comúnmente titulado La Frileuse . [1] Ella dio a luz a un hijo, Cecil George Newton en 1876, que se cree que es el hijo de Tissot. Entró en la casa de Tissot en madera de San Juan en 1876 y vivió con él hasta su muerte en las últimas etapas de consumo en 1882. Tissot con frecuencia se hace referencia a estos años con Newton como el más feliz de su vida, un momento en el que fue capaz de vivir su sueño de una vida familiar. 

                         




Después de la muerte de Kathleen Newton, Tissot regresó a París. Una gran exposición de su obra tuvo lugar en 1885 en la Galerie Sedelmeyer, donde mostró 15 pinturas de gran formato en una serie llamada La Femme à Paris . A diferencia de las escenas de género de las mujeres de moda que pintó en Londres, estas pinturas representan diferentes tipos y clases de las mujeres, que se muestran en las escenas profesionales y sociales. [1] Los trabajos también muestran la influencia generalizada de los grabados japoneses, como solía ángulos inesperados y molduras de esa tradición. Creó un contexto monumental en el tamaño de los lienzos. [11] Tissot fue uno de muchos artistas y diseñadores occidentales influenciados en su momento por el arte japonés , la moda y la estética. 



En 1885, Tissot tuvo un renacimiento de la fe católica, que le llevó a pasar el resto de su vida haciendo pinturas sobre los eventos bíblicos. Muchos de sus amigos artistas se mostraron escépticos acerca de su conversión, ya que convenientemente coincidió con el renacimiento católico francés, una reacción contra la actitud secular de la Tercera República Francesa . [ Cita requerida ] En un momento en que los artistas franceses estaban trabajando en el impresionismo , el puntillismo y lavados de petróleo pesado, Tissot se movía hacia el realismo en sus acuarelas. Para ayudar en la realización de ilustraciones bíblicas, Tissot viajó a Oriente Medio en 1886, 1889, y 1896 para realizar estudios sobre el paisaje y la gente. Su serie de 365 aguada (acuarela opaca) ilustraciones que muestran la vida de Cristo, se mostró a un público entusiasta aclamación y críticos en París (1894-5), Londres (1896) y Nueva York (1898-9), antes de ser comprada por el Brooklyn Museo en 1900. [14] se publicaron en una edición francesa en 1896-7 y en un Inglés una en 1897-8, con lo que Tissot vasta riqueza y la fama. Durante julio de 1894, Tissot fue galardonado con la Legión de Honor , la más prestigiosa medalla de Francia. [1] Tissot pasó los últimos años de su vida trabajando en pinturas de temas del Antiguo Testamento. [15] A pesar de que nunca terminó la serie, se exhibieron 80 de estas pinturas en París en 1901 y grabados después de ellos fueron publicados en 1904.

                        

Tissot murió repentinamente en Doubs , Francia el 8 de agosto de 1902, mientras vivía en el castillo de Buillon, ex abadía que había heredado de su padre en 1888. Su tumba se encuentra en la capilla situada en el recinto del castillo. [1] [5] El uso generalizado de sus ilustraciones en la literatura y se desliza continuó después de su muerte con la vida de Cristo y El Antiguo Testamento convertirse en las "imágenes de la Biblia definitivas". Sus imágenes han proporcionado una base para las películas contemporáneas como En busca del arca perdida y La edad de la inocencia (1993). En la primera mitad del siglo 20, hubo un re-encendido de interés en sus retratos de señoras de moda y unos cincuenta años más tarde, éstos fueron alcanzando precios récord. 





                                                  

                             


         




















        





jueves, 27 de abril de 2017

George Barbier





George Barbier - Nacido en Nantes Francia el 10 de octubre de 1882, Barbier tenía 29 años cuando montó su primera exposición en 1911 y fue arrastrado posteriormente a la vanguardia de su profesión con las comisiones para diseñar teatro y ballet trajes, para ilustrar libros, y para producir alta costura ilustraciones de moda. Durante los siguientes 20 años Barbier llevó a un grupo de la Escuela de Bellas Artes que fueron apodado por la revista Vogue como "Los caballeros de la pulsera" - un homenaje a sus gestos de moda y extravagantes y estilo de vestir.

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 Se incluyen en este círculo de la élite eran Bernard Boutet de Monvel, Pierre Brissaud, Paul Iribe, Georges Lepape y Charles Martin. Durante su carrera Barbier también le dio la mano a la joyería, vidrio y diseño de papel tapiz, escribió ensayos y muchos artículos para el prestigioso Gazette du Bon Ton. A mediados de la década de 1920 trabajó con Erte para diseñar decorados y el vestuario para el Folies Bergere y en 1929 escribió la introducción para la aclamada exposición de Erte y alcanzó renombre de corriente a través de sus apariciones regulares en la revista L'Illustation. Lamentablemente Barbier falleció en 1932 en el pináculo de su éxito.

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viernes, 7 de abril de 2017

Lita Cabellut: el lenguaje de los colores

Lita Cabellut no es, de momento, profeta en su tierra. Se le conoce más fuera que dentro. Sus cuadros se exhiben y se venden en Dubái,...

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domingo, 26 de marzo de 2017

‘EL BOSCO. EL JARDÍN DE LOS SUEÑOS’

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Si nos damos cuenta de que el cuadro es un reflejo de nosotros ante la pintura, en cuanto miramos en su interior comenzamos a soñar. Es una imagen espejo de nosotros.
R. Falkenburg
 


Dirigido por José Luis López Linares, galardonado con tres premios Goya y nominado a los Emmy, este largometraje documental de 90 minutos se estrenará en las salas de cine coincidiendo con la apertura por parte del Museo del Prado de “El Bosco. La exposición del Centenario”, la muestra más importante organizada nunca en torno al artista con la que el Prado conmemorará el V centenario de su muerte. 

Sinopsis del director: José Luis López Linares.

En 2016 se cumplen 500 años de la muerte de El Bosco. Es casi el único dato sobre el autor de "El jardín de las delicias" al que podemos poner fecha precisa. "El Bosco, el jardín de los sueños" es una película sobre su cuadro más importante, y uno de los cuadros más icónicos del mundo: El jardín de las delicias.

Se han dado muchas interpretaciones de los cuadros de El Bosco desde su creación. El Bosco ha sido designado como un miembro de una secta esotérica, un cripto-cátaro, un alquimista, otros lo ven tan culto que incorporó mensajes complejos en forma de juegos de palabras visuales basadas en textos bíblicos o en el folclore. Estas interpretaciones a menudo sólo reflejan la mentalidad del espectador.

Es un cuadro para todos porque, mientras fascina los ojos del espectador medio, también contiene capas de profundidad que un espectador informado reconocerá como símbolos de niveles más profundos de significado e indagará en la naturaleza de sus misterios.

Hemos mantenido una conversación entre artistas, escritores, filósofos, músicos, científicos, sobre los significados personales, históricos y artísticos del cuadro, trayendo a nuestros días la ‘conversatio’ que comenzó hace 500 años en la corte de los duques de Nassau, en Bruselas, cuando se cree que la pintura fue encargada a El Bosco.

Esta ‘conversatio’ está conducida por el historiador de arte Reinert Falkenburg, quien está acompañado, entre otros, por los escritores Ohran Pamuk, Cees Nooteboom, Nélida Piñón, Salman Rushdie y Laura Restrepo; los artistas Miguel Barceló, Isabel Muñóz y Max; los músicos William Christie, Ludovico Einaudi y Silvia Pérez Cruz; el dramaturgo Albert Boadella; los historiadores John Elliot y Carmen Iglesias; la neurocirujana Sophie Swartz, y por supuesto los historiadores de arte Pilar Silva (comisaria de la exposición El Bosco en El Prado), Alejandro Vergara (El Prado), Elisabeth Taburet-Delahaye (Museo Cluny), Xavier Solomon (Colección Frick) y Philippe de Montebello (Museo Metropolitan)

Aún hay muchos misterios que rodean al tríptico, pero al mismo tiempo hay elementos para todos: colores brillantes, acción compleja, comedia, tragedia, misterio, pecado, vida, muerte, y quizá incluso redención. La obra puede ser apreciada y es capaz de atrapar al espectador sin ser comprendida. La película nos lleva a comprender la obra.


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Estreno mundial en cines el 9 de junio

El Museo del Prado presenta el documental El Bosco. El jardín de los sueños.


El Bosco. El jardín de los sueños se estrenará en más de 70 salas en España, además de Estados Unidos, Inglaterra, Italia, Polonia, Hungría y la República Checa.
Con el profesor Reindert Falkenburg como narrador, El jardín de los sueños es una conversación de escritores, historiadores, músicos y artistas, que va abriendo pistas para ayudar al espectador a entender el cuadro, el pintor y su época.
El punto de partida es la tesis de Falkenburg de que el tríptico era un elemento de conversación en la corte de los Nassau. Quinientos años más tarde se reproduce con la participación Un dialogo que comenzó hace 500 años en Bruselas y de la que ahora participan Cees Nooteboom, Salman Rushdie, Orhan Pamuk, Nélida Piñón, Laura Restrepo, Michel Onfray, Miquel Barceló, Cia Guo Quiang, Isabel Muñoz, José Maria Ballester, Max, Ludovico Einaudi, William Christie, Silvia Perez Cruz, Renée Fleming, la comisaria de la exposición Pilar Silva, Philippe de Montebello, John Elliott, Carmen Iglesias, Alejandro Vergara y Xavier Salomon. Artistas, escritores, filósofos, músicos y científicos conversan sobre los significados personales, históricos y artísticos del cuadro, trayendo a nuestros días la ‘conversatio’
Una reflexión coral sobre El jardín de las delicias y su creador con la narración histórica de su tiempo y las claves de la historia del arte.
La narración comienza con la apertura de las puertas “Un cuadro que invita a entrar y participar” (William Christie). Un primer acercamiento al cuadro que actúa como espejo en el que el espectador se proyecta.

De izquierda a derecha: Sir John Elliott, historiador hispanista; Reindert Falkenburg, historiador del arte, autor del libro The land of unlikeness, The garden of Earthly delights (Vice provost NYU ABU DABI); y Philippe de Montebello, historiador del arte.
De izquierda a derecha: Sir John Elliott, historiador hispanista; Reindert Falkenburg, historiador del arte, autor del libro The land of unlikeness, The garden of Earthly delights (Vice provost NYU ABU DABI); y Philippe de Montebello, historiador del arte.

“Lo que la mayoría de la gente se ve a sí misma. Si nos damos cuenta de que el cuadro es un reflejo de nosotros ante la pintura en cuanto miramos en su interior comenzamos a soñar. Es una imagen espejo de nosotros” (R. Falkenburg)
Un espectador que ha cambiado en estos cinco siglos:
“Este cuadro ha estado ahí expuesto desde hace mucho tiempo, emanando su fuerza, su alma… Antes de la Revolución Francesa después de la Revolución Francesa; antes y después del marxismo, y antes y después de Auschwitz. Lo que significa que el cuadro, ha permanecido siempre igual. El mismo objeto material, hecho de madera y pintura. Pero los ojos pertenecen a cabezas cuyas mentes han cambiado por completo.” (Cees Nooteboom)
Y prosigue con las claves biográficas del pintor, la cofradía a la que perteneció, su inspiración diaria en el mercado de su pueblo Hertogenbosch.
En palabras de Nélida Piñón: “Nadie puede hacer esa obra sin sospechar de su capacidad, de engendrar un mundo. De competir con Dios…”
Capacidad que Pilar Silva (comisaria de la exposición) describe como “El Bosco dibuja como un pintor y pinta como un dibujante”
Y el Jardín de tema central. La obra que fascina por su grado de realismo a John Elliott, por su capacidad de “Crear esta máquina capaz de encender la imaginación del espectador e incitar a la interpretación sin ni si quiera darnos una pista”. (Reindert Falkenburg)
Su visión como artista: “que es capaz de presentar un futuro mucho más cruel de lo que podían imaginar los coetáneos”. (Carmen Iglesias)
El jardín como “un gran día de fiebre” Miquel Barceló, la admiración que provoca en Orhan Pamuk “la paciencia y la alegría de los detalles”. Difícil de describir para Nélida Piñon: “Para describir esto hay que inventar palabras “
Desde su visión filosófica Michel Onfray comenta:
“Lo importante en la vida, no es la cultura sino la vida. Es la gente, no matar, no hacer daño…
No aumentar la miseria del mundo. Y esta obra es genial porque eso es lo que dice. Si fuera necesario destruir obras de arte habría que destruir muchas, pero salvar esta”
Y, el artista chino Cai Guo Quiang describe como “Una obra en la que el espacio surge desde el interior del tiempo. Por eso ‘El Jardín’ representa la historia de la humanidad.”

Ludovico Einaudi, compositor.
Ludovico Einaudi, compositor.

Ludovico Einaudi lo ve “como una ópera fantástica”.
Y Philippe de Montebello concluye: “Yo lo miro desde el punto de vista pictórico y me pregunto ¿por qué es tan emocionante? Y concluyo porque funciona”
En el jardín de los sueños, José Luis Lopez Linares nos invita a participar de esa fascinante conversación armados con un nuevo bagaje de pistas de estos personajes, con potentes imágenes preciosistas rodadas en ultra alta definición, un zoom al que nos transporta la gran pantalla.
Todo ello subrayado por una cuidada selección musical, grandes artistas internacionales que parecen componer para el pintor holandés. Elvis Costello pone música a los tapices de Cluny, el tema de Lana del Rey, Gods and Monsters, como un clip musical inesperado y sorprendentemente hilado con los detalles del cuadro, la paz de Ludovico Einaudi, junto con Max Richter Olafur Arnalds y el emocionante Vater Unser de Arvo Part.
Datos de producción
Este documental ha sido producido por Lopez Li Films junto al Museo del Prado, con el patrocinio exclusivo de la Fundación BBVA, y la colaboración del ICAA. Cuenta con la participación de Movistar+ que lo estrenará en el Canal+ Estrenos el 5 de julio, y el apoyo de RTVE que lo emitirá en La 2 durante el verano.
El 9 de julio llega a cines de toda España, en más de 70 salas de la mano de la distribuidora Versión Digital, y será estrenado también en cines de Estados Unidos, Inglaterra, Italia, Polonia, Hungría y la República Checa.

miércoles, 8 de febrero de 2017

James R. Eads, 1989

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James R. Eads nació en Los Ángeles, fue a la universidad en el Skidmore en el estado de Nueva York y luego vivió en Brooklyn durante unos años antes de trasladarse a Los Ángeles. Vive y trabaja en los artes de la cervecería en Los Ángeles. Su estudio está abierta al público durante los artwalks bianuales.
A pesar de su método moderno, es fácil ver las huellas de los pintores y los movimientos pasados en sus piezas. Van Gogh es una inspiración obvia, aunque hay matices de estilos numerosos otros artistas impresionistas en cada pieza.


                               



Los remolinos, colores y pinceladas cortas en las ilustraciones de James R. EADS podrían parecer familiar. espirales fantasmales en una gama de colores del arco iris imitan el trabajo de textura de Van Gogh, un artista que EADS es en gran medida inspirado por. Pero donde la artesanía Van Gogh paisajes surrealistas y escenas de naturaleza muerta con sus pinceladas, figuras de EADS y telones de fondo de cuento ofrecen una conexión entre la vida humana y el mundo natural.
En una sola pieza que vemos las siluetas de los dos cuerpos se aferran juntos en una nube de colores brillantes. Detrás de ellos, la noche negro impenetrable es a la vez asfixiante y vibrante, iluminado solamente con pequeñas chispas que se asemejan a las estrellas.

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En otra pieza, un bote de remos languidece a cabo en las aguas tranquilas pintadas en tonalidades azules y verdes pacíficos. En el fondo, la luna se encuentra por encima de un remolino, masa uniformada que, o bien se podría romper de las olas que acechan en el horizonte o el oleaje de las nubes de poca elevación.
Mientras que las escenas Eads son familiares a los ojos de los espectadores, sino que también son ajenas, recogiendo aspectos que yuxtaponen el entorno de otro modo de meditación. Por ejemplo, en una sola pieza nos presenta un bosque que ha sido lanzado en las sombras en la oscuridad, pero a través de los pocos árboles que echar un vistazo a un cielo de color rosa ardiente lleno de remolinos amarillos calientes.


R. James Eads nació una en Los Ángeles 1989, estudió una Nueva York y una parte posterior de Los Ángeles una vida y trabajo: trabaja ahora en la colonia de arte de la cervecería, un área de 16 hectáreas que se ha convertido en un hito en 1903 por artistas de todo el mundo para el estudio de pintura, que, además de una escultura en fotografía Diseño Industrial y arquitectura, restaurantes, galerías de arte. Toques sutiles y elegantes formas caracterizan el estilo de este artista polifacético que tiene una profunda pasión por el arte y el diseño y no duda en una referencia de medida un Van Gogh cuando habla de su forma de uso de los colores. EADS describe vienen de la ONU, arte multidisciplinario artista apasionado tanto por el diseño y sus ilustraciones describe la relación entre el hombre y la naturaleza, con imágenes que intentan transmitir movimiento y dinamismo. Con un montante de dibujos originales puede crear un hatch áspera y fuerte impacto emocional Veces transmitir movimiento y dinamismo, poniendo énfasis en el vínculo indisoluble entre nosotros y en el mundo natural. Su mensaje personal, inspirado en las formas de la naturaleza, se refiere a la obra de Vincent van Gogh. Interesantes ilustraciones, representando cielos arremolinados y espacios salvajes a menudo se penetran profundamente por el artista, por lo tanto manifestación su incondicional amor hacia una tierra que vienen percibe y madre amigo.

El efecto surrealista de las gruesas pinceladas y abundancia de color hace que inmediatamente piezas Eads parecen como viejos cuadros impresionistas, pero en realidad cada escena ha sido cuidadosamente diseñada mediante Photoshop.
" Me quedo con Photoshop, prefiero los aspectos naturales y la fluidez de las herramientas que ofrece y creo que es el más estrechamente relacionado que puede llegar al dibujo tradicional y la pintura en el equipo ", dice Eads.
Sin embargo, el proceso comienza mucho lo mismo que cualquier otro artista ( incluyendo, lo más probable, Van Gogh ) con un boceto.
EADS está dispuesto a señalar la cantidad de trabajo va en una sola pieza.
" Para mí, pasa por horas y horas de los cambios y rara vez se ve como el primer boceto " - dice él, aunque siempre hay un remanente de la idea original visible en algún lugar de la pieza, al igual que las chispas de colores que salpican su obra .


James R. Eads est né à Los Angeles, est allé au Collège à Skidmore, dans l’état de New York et puis a vécu à Brooklyn pendant quelques années avant de déménager à Los Angeles. Elle vit et travaille dans les arts de la brasserie à Los Angeles. Son atelier est ouvert au public pendant l’artwalks semestrielle. Malgré sa méthode moderne, est facile voir les traces de ces peintres et ces mouvements passé dans leurs régions. Van Gogh est une source d’inspiration évidente, bien qu’il existe des nuances de nombreux styles des artistes impressionnistes dans chaque pièce.


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Eddies, les couleurs et les coups de pinceau court dans les illustrations de James R. EADS peuvent sembler familiers. spirales fantomatiques dans une gamme de couleurs de l’arco iris imitent le travail de texture de Van Gogh, une artiste que EADS est largement inspiré. Mais où Van Gogh artisanat surréalistes paysages et scènes de nature morte avec ses coups de pinceau, les figures de EADS et les décors de l’histoire proposent une connexion entre la vie humaine et le monde naturel. Dans une pièce que nous voyons les silhouettes de deux organes s’accrochent ensemble dans un nuage de couleurs vives. Derrière eux, le noir de la nuit impénétrable est simultanément étouffant et vibrante, envahie de seulement de petites étincelles qui est similaire à leur étoile. Dans une autre pièce, un bateau à rames languit dehors sur des eaux calmes, peints en bleu Pacifique et tons de vert. En fin de compte, lune est supérieur à un tourbillon, masse uniforme que, soit pourrait briser les vagues qui se cachent sur l’horizon ou la houle des nuages de basse altitude. Alors que les scènes de Eads sont famille aux yeux des spectateurs, mais aussi à l’extérieur, collecte des aspects qui juxtaposent l’environnement d’un autre mode de méditation. Par exemple, en un seul morceau il nous présente une forêt qui a été publiée dans l’ombre, dans l’obscurité, mais à travers les quelques arbres qui jetez un oeil à un ciel plein de tourbillons jaune chaud rose vif.


R James Eads est né en 1989 de Los Ángeles, il a étudié un New-yorkais et un dos de Los Angeles la vie et de travail : fonctionne maintenant dans la colonie d’art de la brasserie, une superficie de 16 hectares qui est devenu un point de repère en 1903 par des artistes de partout dans le monde pour l’étude de la peinture, qui, en plus d’une sculpture, photographie, dessin ou modèle industriel et architecture , restaurants, galeries d’art. Des touches subtiles et formes élégantes caractérisent le style de cet artiste polyvalent qui a une grande passion pour l’art and design et sans aucun doute une référence mesurer un Van Gogh quand il parle de son utilisation des couleurs. EADS a décrit come UN multidisciplinaire art artiste si passionné sur la conception et ses illustrations décrit la relation entre l’homme et la nature, avec des images qui essaie de transmettre le mouvement et le dynamisme. Avec une quantité de dessins originaux, vous pouvez créer une trappe rugueuse et à fort impact émotionnel fois transmettent le mouvement et le dynamisme, en mettant l’accent sur l’indissoluble parmi nous lien et dans le monde naturel. Son message personnel, inspiré par les formes de la nature, est se réfère à le œuvre de Vincent van Gogh. Des illustrations intéressantes, montrant le ciel tourbillonnant et des espaces sauvages souvent sont profondément pénétrées par l’artiste, c’est pourquoi la manifestation son inconditionnel amour pour une terre qui sont perçues et mère d’un ami.


« L’effet surréaliste de traits épais et abondance de couleur qui rend immédiatement pièces Eads semblent à l’ancienne comme images impressionnistes, mais en réalité chaque scène a été soigneusement conçue en utilisant Photoshop. » Je préfère Photoshop, je préfère les aspects naturels et la fluidité des outils offerts, et pense qu’il est le plus étroitement liés que peut atteindre le traditionnel dessin et la peinture sur l’ordinateur «, dit Eads.Sin toutefois, le processus commence beaucoup la même chose que n’importe quel autre artiste (y compris, probablement, de Van Gogh) avec un croquis. » « EADS est prêt à faire remarquer la quantité de travail en cours en un seul morceau. » Pour moi, passe par heures et heures de ces changements et rare est considère comme la première esquisse »-dit-il, bien que toujours il est un vestige de l’idée original visible dans un certain endroit de la pièce, comme les étincelles de couleurs qui parsèment son œuvre. »

                         



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